SCUMBAG MILLIONAIRE – Speed – 2018

Hace poco, en una entrevista a Hellacopters para la Tv pública española escuchábamos a Dregen decir que uno de los motivos por lo que desde Suecia sale tanta banda de rock de gran nivel, es que intentar ganarse la vida de esa manera no es un estigma, allí si dices  que quieres tocar la guitarra nadie te dice “búscate un trabajo”.  Y bendito sea este particular, ya que tenemos la oportunidad de disfrutar de un sinfín de bandas, como por ejemplo estos Scumbag Millionaire.

Desde 2014 dando cera, estos cuatro jóvenes de Gotemburgo presentan su primer “larga” duración, Speed. Y para no desaprovechar el nombre del Lp, disparan en  poco más de media hora de high energy rock and roll  cargado de punk, once cortes directos y sin descanso, como si de uno de sus directos se tratara. 

Mis bendiciones por ese formato de discos que no superen los cuarenta minutos que tanto se echa de menos.  Dos minutos de media por tema, con esa pegada del punk, pero con la huella del estilo marca de la casa que aportan las bandas Suecas al rock and roll. Es inevitable transportarte a los primeros discos de Hellacopters,  que pienso, lejos de ser un hándicap, es un aliciente para escuchar este trabajo. Ya sabemos “It’Only Rock’n’Roll, But I Like It”. Complicado resaltar un tema ya que los suecos no paran de descerrajar pepinazos de rock directos a la yugular,  pero si es cierto que cuentan con una peculiaridad dentro de lo directo y conciso de la propuesta,  los cerca de siete minutos de “Get In The Van” que cierra el disco, donde bajan un par de marchas para facturar un tema más pesado que veloz, aunque dentro del sonido general del disco.

A veces es gratificante disfrutar de este tipo de rock sin complicaciones ni elaboradas estructuras para los temas, rápido, sucio y sin especulaciones, pero derrochando calidad, que no es excluyente de ninguna manera. Mi nota para este artefacto, un 10.

Billy F Gibbons The Big Bad Blues 2018

Lo de ZZTop es un caso peculiar, a pesar de ser una banda con una formula algo simple, blues, rock, boogie,  bien mezclado con un toque de eso que tienen los que nacieron en el sur de Estados Unidos que parece les hace algo particulares, pero ese extraño afán de en cada década, incluir a su mezcla el ingrediente de sonar acorde con los tiempos, tienen bastantes cambios de sonido, y bueno, seguidores y detractores de esta manera de recorrer su camino. Pero aun teniendo en cuenta esta capacidad y gusto por adaptarse y buscar otra manera de ejecutar sus discos. Cuando Mr. Gibbons lanzó al publico su  Perfectamundo en 2015, un disco sacado fuera de la base de esa trinidad blues/rock/boogie, y recorriendo caminos demasiado eclécticos, asusto a mucha gente. Puede que justificado o no. Por lo que el anuncio de disco para este año, quizás encendiera las alertas más que la expectación. 

The Big Bad Blues tumba desde el primer segundo cualquier duda, es un disco de blues, pero un disco de blues filtrado por el tamiz de Billy F Gibbons, un disco que suena con el toque y el sonido de los últimos ZZTop, y aunque los músicos son Joe Hardy al bajo, Mike Flanigin teclados, James Harmon armónica y Matt Sorum y Greg Morrow a la batería, si te cuentan que son Hill y Beard los que facturan esta obra, nada pondría en duda dicha afirmación.

Son cuartenta minutos de blues, con el sonido sucio y saturado marca de la casa, alberga versiones y temas de cosecha propia, pero si escuchas el disco, el conjunto es homogéneo, todo perfectamente cuidado y elegantemente ejecutado. Aunque no podía dejar de meter su momento juguetón, y el disco lo cierra una versión de Bo Didley, la peculiar Crackin Up, con cierto poso caribeño, que es la excepción que confirma la regla dentro del disco de Billy.

Gibbons no ofrece nada nuevo, ni podemos decir que esto es un nuevo y original impulso para el estilo que defiende, pero si es cierto que ha facturado un artefacto disfrutable, que incluso la portada te anima a probar lo que este veterano tiene que ofrecer.

Nota : 90

LOS BRAZOS LIVE

Debo confesar que hacía tiempo que no me fijaba mucho en los discos en directo que las bandas publicaban. Mi subconsciente comparaba sin que yo lo pretendiera el resultado de esos lanzamientos con mis experiencias con las bandas en directo, y algo me faltaba. Pero tenían que venir Los Brazos y cambiarme la visión al respecto con este tratado sónico de cómo debe ser el ROCK cuando tu intención es facturarlo directo y sin especulaciones.

Cerca de ochenta minutos de temas grabados durante la gira de su maravilloso “Gas” de 2015, con un acabado duro, sin adornos, abarcando su paleta de interpretaciones con temas contundentes, divertidos, intensos, y todo ello facturado con gusto y firmando un sonido propio que si bien claro está que las influencias a clásicos están, tardas breves segundos en saber que banda estas escuchando. Su rock, enriquecido con boogie, blues, country, me atrevo a citar hasta jazz, southern, combinados a la perfección,  sumados a su buen hacer, son suficiente aliciente para pinchar una y otra vez este artefacto, y aprovecho que esto va al blog y no a RTBM, para decir que es un regalo mientras esperamos nuevo material de la banda.

Si has escuchado sus discos, pero todavía no has tenido la suerte de verles en directo, esto es una muestra/recopilación perfecta, ya que se puede comprobar que la banda se maneja perfectamente  en directo, y que los escenarios son su hábitat natural. Claro está que también tiene efectos secundarios, según vayas escuchando LIVE, no podrás evitar comenzar a buscar entre las fechas de su gira cuando vas a poder presenciar lo aquí registrado

Honeymoon Disease, “Part Human, Mostly Beast”

En un mundo donde cada vez nos complicamos mas la vida en cuanto al “arte” se refiere, series, música, discos, rizando el rizo para ser algo distinto, algo innovador, se echa de menos quien haga las cosas  sencillas, directas, al grano y a divertir.  Será cosa de la edad, pero yo cada vez lo veo mas así.  Por ello cuando me topé con Honeymoon Disease, me capto a la primera su manera de hacerlo sencillo, high energy rock and roll con el sello que desde Suecia otras muchas bandas vienen hace tiempo trabajando. Jena, Acid, Cedric y Jimi desde Gothenburg ya captaron nuestra atención con su anterior Lp y y gira y ahora, sin salir del concepto de no complicar el sonido, ir directos al tema, pero si variando algo sobre lo que ya conocíamos, nos presentan este “Part Human, Mostly Beast”,  45 minutos de rock and roll, con cierto baño de soul por momentos o direccionado al revival de hard rock de los 70 que también nos suelen traer desde aquellas tierras.  

Abren fuego con “Doin’ It Again” y “Only Thing Alive” para con su sello particular, recordarnos porque nos fijamos en este combo, temas directos y enérgicos, el segundo con un tempo mas lento pero no exento de fuerza. Es en el tercer corte, es donde dejan que cierto toque soul bañe el tema, incluyendo incluso una sección de vientos, con un resultado maravilloso. Con “Rymdvals” se descuelgan del high energy rock and roll para atacar un medio tiempo hard rockero, de esos con influencia 70’s donde la voz de Jena guía a la perfección el ambiente creado por el tema, y el único que supera los 5 minutos de duración. Y así se llega a un tema con corte melódico, “Needle In Your Eye”, que es la calma que precede a la tormenta, ya que también con sección de vientos, y con el espíritu de Chuck Berry flotando en el ambiente, atacan un rock and roll que parece sacado de los 50, “Fly Bird, Fly High” es un tiro, que pinta estupendamente para los directos. “Calling You” nos devuelve a esos sonidos oscuros del hard rock setentero, pero sin perder la melodía, por cierto, algo reseñable en esta banda, las melodías de las guitarras, y de las voces hacen un buen contrapunto al resultado final del disco. Pero por mucho que varíen y busquen entre otros sonidos, no olvidan su firma  y con “Four Stroke Woman” vuelve, rápido y directo, melódico y elegante. “Night By Night”, tema rítmico e intenso, con un estribillo que te engancha, te lleva al ritmo que la banda quiere marcar, y sigue en esa faceta  lenta y melódica con “It’s Allrtight”. El disco llega a su ocaso, con un riff que nos recuerda a cierta banda australiana, atacan “Coal Burnin’”, con ese ritmo hipnótico que te arrastra hasta el estribillo, donde adquieren cierta potencia, adictivo para corear en directo.  Pegada y rock and roll, que más se puede pedir!. El disco termina con “Electric Eel”,  un tema marca de la casa que ya conocemos, ya que salió en formato maxi single, y ya incluían en sus directos.

Y me repito para el resumen, si bien parece que abren un poco el abanico de influencias en las que impregnar su sonido, el resultado es un Lp de fácil asimilación, directo, divertido, combinando pegada y melodía, sin complicaciones. It’s Only Rock And Roll, But I Like It!!! 

BLACK SABBATH “13” (2013)

 

Quiero comenzar diciendo, que aun cuando terminara esta crítica de manera positiva sobre el lanzamiento de este disco en estudio del 75% de la formación original de Black Sabbath, siempre pienso y opino que un disco sacado en la actualidad por una banda que funciono hace tantos años es muy complicado que cumpla con el nivel de antaño y también que facturen una obra maestra, ya casi nadie lo hace, nos pueden gustar más los discos que saquen bandas míticas, pero, si somos sinceros siempre les pedimos algo más. Pero tenemos que ser realistas, y pensar que mientras que el material editado sea de un buen nivel, podemos estar felices y disfrutar de ello.

 

 

Dicho esto, debo confesar que a pesar de mis dudas y escepticismo, “13” me ha convencido, me ha gustado, me ha “pedido” ser escuchado una y otra vez, gran trabajo donde se nota que Iommi tenía muchos ases en la manga y quería sacarlos a cualquier precio, aunque parte de ese precio haya sido dejarse a Mr. Ward por el camino, pero eso, eso es otra historia, claro está.

 

 

 

Y es desde el primer momento que notas que esa oscuridad y ese peso que tango acompañaron a la banda en los Ozzy Years, está presente, y va a ser la espina dorsal del disco de los británicos. Salvando las distancia, ese comienzo lento, con un tema de 8 minutos, que se va a arrastrando para luego tener un pico de subida con fuerza y altas dosis de calidad aportada por el zurdo, hacen pensar en su antigua formula, y “End Of Beginning”, sin ser algo de otro universo puede hacer algún guiño a aquel lejano “Black Sabbath”, no en parecidos notables, quizá solo en la concepción del tema, marca de la casa como se suele decir. Y ni siquiera en “God Is Dead?” pisan el acelerador, otro tema “espeso” y de más de 8 minutos, otra vez siguen tirando de estilo propio. Y siendo la que antes escuchamos, te puede llegar a parecer algo más “repetitiva”, pero bueno, así son Sabbath, y el riff, el riff me encanta, es sonido Tony Iommi de pura cepa. Y hasta aquí pensaba que se podían enfrascar en un sinfín de temas densos, pesados, largos, y llegar a cansar, pero, llega “Loner”, primer tema más “rápido”, con un riff mas dinámico, pero también muy Sabbath. Es más, a veces me recuerda ligeramente al “NIB”, pero solo ligeramente, no se me echen las manos a la cabeza y piensen que me puede la añoranza…….. Y como la frase “marca de la casa” es típica de estas review, “Zeitgeist” se acoge a ella, y nos aporta el momento acústico del disco, donde Ozzy parece menos “forzado”, con su parte de oscuridad, pero dando un reposo al alud de riffs que componen este disco, este gran disco.

 

 

 

Segunda parte del disco, cara B, como se prefiera, la mitad del Lp llega y abre con “Age Of Reason”, rondando los 7 minutos, con Iommi demostrando lo poquito que le cuesta facturar esos riff monolíticos, y dando lecciones de fuerza, buen gusto, de que es un Lord Of The Riffs en toda regla. En particular el solo de este tema, me parece grande, muy grande. Cuantas buenas sensaciones deja este disco, aun cuando a Ozzy se le nota un extraño cansancio, que si ya es visible en la grabación, nos hace ver que en las giras, los que puedan verles tendrán/tendremos que ser compresivos con el MadMan. Y cuantos cambios de ritmo, cuantas colecciones de riffs que con un sonido actual te hacen recordar a aquella época de Sabbath que tantos fans creo y tanto influencio en la música de generaciones venideras. “Live Forever”, nos vuelve a aportar algo de velocidad a al ritmo generalmente denso del disco, han sabido mezclarlas para no gastar todas las bolas rápidas al principio, hasta en eso han estado acertados, según mi opinión. Aunque hablando del sonido Sabbath actual, donde se mueve bien Iommi es en esos temas largos, que ya están inevitablemente vinculados a este “13”, y “Damage Soul” manteniendo esa premisa, aun es capaz de aportar una pequeña diferencia, quizá sean sus riff igual de oscuros pero un poco menos densos, solo un poco, sutil diferencia, que es de agradecer. Y debo destacar de después de la muralla de riffs, la manera que Iommi se va despidiendo del tema, es maravillosa, elegante, sutil, un parón en el tema que te hace pensar que ya termina, para luego retomar el riff con fuerza y cerrar el tema con mucha pegada. Y es que repito mucho el nombre del “hacedor”, pero soy débil. Geezer hace un gran trabajo y por supuesto Brad Wilk está a un altísimo nivel, no podría ser de otra manera, pero Tony, es de otro planeta moviéndose en este su terreno. Y llegamos al último capítulo de estos poco más de 50 minutos de sonido Sabbatico, de este trabajo grande, que a más escuchas más me gusta y más respeto. Con “Dear Father”, con otra colección de riffs y cambios de ritmo, con un sonido quizá algo más “actual”, hasta parece que Ozzy sabe que llega el fin del disco y ataca más fuerte sus partes vocales por momentos. Quedan más temas, han sacado algunos bonus que rayan a alto nivel también, pero esos, en otro momento.

 

 

 

  Lo que me llena de interrogación, es por que terminan con la tormenta y la campana con la que todo empezó. ¿Es una señal para decir que han cerrado el círculo? ¿Nos quieren indicar de esta manera que ya es el último disco en estudio que sacaran? ¿Tan solo es un guiño al aquel sonido y estilo recuperados? La duda queda alojada en mi……………………

JOHNNY SANSONE - the lord is waiting and the devil is too (2011)

Completo desconocedor de la obra y milagro de este caballero me declaro, pero atendiendo a una recomendación de un amigo a través de las redes sociales, quedé prendado de este disco de hace un par de años.

 

 

En poco más de 40 minutos, Johnny nos enseña cómo se puede hacer un disco sin hacer falta pisar el acelerador, pero para nada tranquilo, para nada suave, para nada aburrido. Indagando más sobre el disco, parece ser que fue grabado sin bajo, solo la voz y armónica de Johnny, guitarras de Anders Osborne y Stanton Moore a la batería. Lo cual no deja de ser curioso porque las atmósferas creadas en ocasiones por los tres músicos te hacen creer que aunque disimulado, existe un bajo por allí.

 

 

Lo que si es cierto que llevando un ritmo lento, pero denso, este disco tira de blues denso, distorsionado, un sonido muy espeso por momentos, con un aura pantanosa que quizá sea lo que más me maravilla, aunque obviamente este blues no es para puristas y el rock también está presente en el disco, y como sonidos más propios del sur. El disco también cuenta con unos coros femeninos en ciertos momentos, que hacen un curioso contraste con la densidad latente en el sonido de todo este artefacto, solo tenemos que escuchar el tema que da título al disco para verlo, asomando hasta los espirituales o el soul a toda la mezcla. Pero el resultado global, es más que notable, un trabajo maravilloso que me había pasado inadvertido, y que seguro que no soy el único. Espero aportar mi pequeño granito de arena y que más degustadores de blues oscuro y pantanoso puedan disfrutar de este gran trabajo.

FIVE HORSE JOHNSON “The Taking Of Black Heart” (2012)

El rodillo de boogie-blues de Toledo(Ohio) vuelve para intentar pasarnos de nuevo por encima. 45 minutos repartidos en 11 cortes con sonido marca de la casa. Han evolucionado algo, no suenan igual que en sus primeros discos, aunque siempre he opinado que Five Horse Johnson, aun contando con un sonido tan personal, y sin salirse de su tiesto, han dado a cada disco un toque diferente, mínimo, ligero, pero diferente.

 

Quizá, desde mi punto de vista aprecie una banda que ha madurado, siguen sonando potentísimos, siguen golpeándote con su blues, pero ahora se les puede notar quizá algo mas calmados por momentos, pero siempre es complicado de afirmar esto con ellos, esas guitarras demoledoras siguen sonando prácticamente durante todo el disco, y la salvaje armónica de Eric sigue sonando como sacada del infierno. De todas formas, si nos faltara esto, ya no seria lo mismo.

 

  No he notado ningún tema que destaque, que se asome por encima de los demás para decir “Hey, estoy aquí”, pero por otra parte creo que todo el conjunto tiene un nivel bastante notable, por lo que, por lo menos en mi caso me hace mas complicado decantarme por algún momento del disco. Aunque la versión que hacen de Rob Stewart “You’re My Girl” hace que te fijes cuanto menos. Que para mas inri esta cantada por Robin Zander de Cheap Trick, tirando de clásicos, pero curiosas elecciones si contamos con el sonido de FHJ.

 

  Gran trabajo de FHJ, que debería traerles por nuestro territorio de gira, y permitirnos volver a disfrutar de su solido y compacto directo, de una noche de boogie-blues, ¡¡¡¡¡Que no cambien nunca esta banda!!!!

GRAVEYARD "Lights Out" (2012)

Tercer disco de Graveyard, y estos chicos me siguen maravillando. Quizá el listón quedo algo alto en su “Hisingen  Blues” del pasado año, lo que puede llegar a hacer desmerecer este “Lights Out”, aunque para nada el resultado es malo o mediocre.  Siguen su línea, su sonido, su muralla de sonido para ser más exactos. Inmersos en esa corriente que nos llega desde el norte de Europa con un revival del hard-blues 70’s, con ese filtro de psicodelia que según que banda lo hacen mas visible o tan solo lo insinúan, Graveyard según mi punto de vista aportan algo mas, una calidad en los temas que les hace estar algunos peldaños por encima, que te hace fijarte en ellos, prestarles atención, por no mencionar que en su directo defienden su sonido de manera sobresaliente e impactante, con un sonido brutal.  Pero eso es otra historia.

 

Algo más de media hora repartido en 9 cortes para cumplir con esa premisa que tango defiendo que ningún disco sencillo debería durar más de 40 minutos, ya que complicaría la apreciación global del disco si no consiguen que todos los temas sean punteros. En eso también llevan los 70 por bandera.  Eso si, todo ello con un sonido actualizado, renovado, y ya casi me atrevo a decir que propio, firma de la casa.

“Seven Seven”, “Endless Night” y “Goliath”, todos ellos de menos de 3 minutos son los temas rápidos, con pegada y perfectos para llevar al directo, donde extraen su vertiente mas rockera,  pudiendo ser single cualquiera de ellos. Pero donde todos los que nos hemos enganchado a su sonido seguro que esperamos mas el otro tipo de corte que llevan sus discos, temas mas largos, mas elaborados, temas que comienzan bajitos y clamados, como pasajes mas sicodélicos, para subir de intensidad, para volver a bajar y así hacer esos cambios tan característicos y que tan bien nos ofrecen hasta la fecha.

Nunca serán un grupo de masas, para grandes públicos, pero lo conseguido hasta ahora, les deja quizá un poco por encima de las bandas  contemporáneas, y siguen ofreciendo grandes trabajos cada año. Esperemos que dure.

The Jim Jones Revue "The Savage Heart" (2012)

Siempre que esta banda saca algo del estudio, reclama mi atención, ya que todavía me estoy recuperando de la pegada de su debut, rock and roll salvaje, vertiginoso, y con un toque de sonido sucio y garagero que hicieron que muchos nos hiciéramos eco de esta banda.

 

Pero el tiempo pasa, se sacan mas trabajos y esa velocidad y suciedad se van menguando hacia un sonido mas compacto, algo mas cuidado y donde no solo de temas salvajes vive el hombre. Lo bueno que ha sido algo escalonado, con su anterior disco, “Burning Your Hose Down” de hace un par de años ya rebajaron notablemente la cantidad de temas acelerados para ir combinándolos con temas de riffs mas rítmicos, y con este “The Savage Heart” han dado un paso mas, ¿Hacia delante?, ¿Hacia abajo?, bueno, han evolucionado, introduciendo mas variedad, pero desde mi punto de vista conservando un poco su “estilo”. Han cuidado mas el sonido, ya quedo lejos de aquel primer disco, pero todavía se advierte esa falta de limpieza, de brillo, nada de acercarse a sonidos mas audibles, pero si han abierto algo el abanico en cuanto a composición. Y por supuesto, ese piano que tan bien sueno en todos y cada uno de los cortes del disco, pieza básica del sonido de la banda, y que de nuevo va a hacer las delicias de los degustadores de JJR.

 

 

Calidad tiene, que no llegue a los 40 minutos hace que este dentro de la franja de duración que deberían tener los discos, no cansa, no carga, y en líneas generales les ha quedado bastante bien este disco, pero quizá los que nos admiramos con su debut, añoremos algún tema mas de la línea salvaje y garagera con la que nos impactaron hace cuatro años. Tan solo “Where Da Money Go?” nos traslada tímidamente a ese recuerdo.

ZZ TOP “La Futura” (2012)

Partiré de la base que soy de la opinión de que las bandas veteranas aun facturando grandes discos, ya ni nos van a sorprender ni nos van a dar lo que añoramos de sus obras punteras. Por lo tanto este “La Futura” me entra solo a cada escucha, se me antoja un disco de nivel, que aun siendo muy distante a su predecesor en el tiempo y puede que se diera demasiado bombo, no desmerece la espera, siempre basándonos en mi argumentación del principio del texto.

 

ZZ Top han paseado su boogie blues-rock por las décadas desde los setenta, adaptando de alguna forma sus discos a la década en la que los lanzaban al mercado, pero siempre pasando esos cambios por su peculiar filtro/visión del género. Y si es cierto que varían un abismo desde sus comienzos, creo que en cada nueva “etapa” son consecuentes con el sonido elegido. En cambio este disco ya se va quedando con su toque de los noventa, las guitarras distorsionadas, sonidos más rítmicos, algunos toques de samples de fondo, que de alguna forma es su sonido boogie-rock del siglo XXI.  

 

 

Nada más comenzar con el primer tema ya puedes ver un tema que podría venir del mismísimo “XXX”, aunque no es del todo la línea a seguir, como ya digo, los discos de los noventa están presentes en el camino escogido para este nuevo artefacto. Quizá “Flyin High” un tema que ya rodara por la web desde hace tiempo, y “I Don’t Wanna Lose, Lose, You” te pueden rememorar por momentos, y solo por momentos a una etapa más ochentera de la banda.

 

Y debo hacer mención a dos piezas maravillosas del disco, los medio tiempos, “Over You”, y “It’s Too Easy Mañana”, muy característicos del ZZ Top Style, sobre todo este ultimo, una maravilla desde el punto de vista del que lo cuenta, lento, denso, con la genial y tranquila guitarra de Gibbons, para un tema muy a tener en cuenta.

 

 

En definitiva no soy capaz a priori de encontrar fallos al disco, ya que incluso sus 40 minutos de duración le colocan en el margen de tiempo que duraban antaño los discos, aquella época dorada donde en un vinilo te entraba un disco completo sin quitarle temas. No será el disco del 2012 dentro del rock, pero es una grata sorpresa verles todavía en forma compositiva.

Re-Machined "A Tribute To Deep Purple's Machine Head" (2012)

Debo confesar que no soy nada amigo de los tributos, quizá como curiosidad, para un par de escuchas bien, pero no como disco a coleccionar o adquirir con ceguera de fan. Pero este es quizá algo diferente, no es a una banda en si, es a un disco que es obra maestra indiscutible, referencia básica para quien quiera saber de que va esto del rock, y pilar en la creación del rock como leyenda inmortal. Además de contar con invitados de alta gama en su mayoría. Obviamente el resultado es de un nivel bastante algo, aunque sigo insistiendo que estos discos como regalo de alguna publicacion, o de extra de algún lanzamiento, etc, etc, y este en ese campo lo contemplo totalmente de la misma manera.

 

Fue Metallica haciendo "When A Blind Man Cries" la que hizo que fuera mayor mi intención de darle escuchas a este artefacto, y no porque presuponga que seria una maravilla, pero soy muy seguidor de los de San Francisco, y su habilidad para versionar, a mi parecer es de sobresaliente. Y bueno, no se salen mucho del tiesto en la mayor parte del tema, hasta que al final salen dando caña marca de la casas y James nos obsequia con sus característicos "Yeeaahh", que harán las delicia de sus seguidores y llenaran de horror a los que lo son mas de Purple. El buen estado de forma de Hughes hace que "Maybe I'm A Leo" o el bonus-track "Highway Star" suenen potentisimas y muy elegantes, buenas revisiones. La alta calidad de Bonamassa, sumado al buen hacer de Jimmy Barnes, y escoger la siempre maravillosa "Lazy" la hace estar entre las que mejor quedan para mi gusto, incluso en algunos instantes Mr. Barnes nos hace algún guiño a Gillan, pero son instantes solo. Por el resto, mucha energía de este gran vocalista.

Pero un servidor se rinde a la versión que hacen Black Label Society del "Picture Of Home", que yo esperaba que fuera una apisonadora de sonido como las que nos tiene acostumbrado, pero es esa faceta mas lenta, con guitarras acústicas mezclandose con la eléctrica, donde el ritmo baja, siendo mas lenta que la original, canta el tema mas que gritarlo a voz en pecho, quedando un tema mas ambiental, y siendo la propuesta bajo mi punto de vista que ha conseguido llevares la palma en este elenco de artistas.

 

Por el resto, poco mas que decir, lo previsible y esperable dado el nivel, y que si se hubieran olvidado de incluir el tema de "The Flaming Lips" habríamos ganado todos.............

LYNYRD SKYNYRD – “Last Of A Dyin’ Breed” (2012)

Tres años han transcurrido desde el anterior disco en estudio de Lynyrd Skynyrd, que ya dejase un buen sabor de boca sin ser ninguna obra maestra, y con este “Last Of A Dyin’ Breed” siguen de alguna forma esa estela. Nada nuevo que aportar, a estas alturas pocas bandas clásicas lo harán, y no vayamos a entrar en comparaciones con trabajos clásicos, esto es lo que es, un disco nueve del 2012, y como tal el resultado es más que notable.

 

Impecable en la producción, sonido duro, fuerte, pero elegante, con todo lo que lleva el sonido americano, las producciones mandan, y aquí no iba a ser menos. El conjunto exceptuando algunos momentos queda muy grueso, nada de sonidos excesivamente comerciales de los que en ocasiones pecan de usar en demasía las bandas norteamericanas.

 

Y como no van a estas alturas a especular, el primer tema, el single que da nombre al disco nos golpea directamente para atraer la atención, en dentro de la línea de temas mas rápidos y rockeros del disco, que junto a “Good Teacher” hacen oposiciones para formar parte de futuros setlist de sus giras. Aunque tampoco nos van a faltar esos medios tiempos que se aproximan casi a baladas que tan acostumbrados nos tienen ya en sus últimos discos, dejando el resto de este lanzamiento para temas muy rítmicos, potentes y que al fin y al cabo, respetando el sonido sureño miran hacia los tiempos que corren, en los que los sonidos a escuchar van cambiando. No olvidemos de todas formas que casi la mitad de la banda se ha incorporado en los últimos 3-4 años.

 

Pero también dejan sitio para un par de reliquias, de piezas más delicadas y trabajadas, donde el espíritu Lynyrd no solo sobrevuela esos temas, se posa directamente sobre ellos. “One Day At A Time”, segundo corte del disco, y para mi lo mejor que se puede escuchar en los 45 minutos de este artefacto. O la que cierra, “Start Livin’ Life Again”, sutil, acústica, con slide, y que tira de sonidos mas añejos. Aunque un servidor esta enganchado a “Honey Hole” que es de las que forman ese bloque de temas más “modernos” y rítmicos, me parece que tiene una pegada impresionante en su estribillo. Brutal. O será esa letra de tan “cálido” contenido……

 

En definitiva un disco mas que notable de los Lynyrd Skynyrd del siglo XXI, que bajo mi punto de vista, han sabido continuar de manera noble y elegante el legado, sabiendo respetar el nombre al que defienden. Que nos regalen muchos discos así, yo firma ya

Metallica "Black Album" (1991)

La reciente gira de Metallica, que tuvo parada en nuestro país, conmemorando el lanzamiento de uno de sus álbumes mas reconocidos, me hace brotar deseo de escribir sobre aquel “Black Album” que revoluciono el mundo de la música heavy/rock, allá por los noventa. Cuanto menos lanzo a los “Cuatro Jinetes” a un estrellato que ya era algo irremediable, pero que no hizo mas que afianzar ese carrera ascendente de la banda, marcando un antes y un después dentro de su recorrido musical, incluso dejando quizá el listón demasiado alto, cosa que repercutiría definitivamente en el devenir de la banda. Hacer revisión a dia de hoy de aquel disco puede parecer algo fuera de lugar, pero quizá es de esos Lp’s que tiene un aura tan grande que se transforma en atemporal, haciendo que nunca sea demasiado tarde.

  Y es que el nivel de ventas y atención que recibió este disco es algo casi sorprendente si contamos que dentro de todas las variantes y ramas del Rock, el heavy es quizá de las que comienzan a recibir menos atención, que bandas como Rolling Stone o AC/DC, reciban atención de muchos públicos es algo casi lógico, no tanto ya si entramos en Judas Priest o Accept, por poner un par de ejemplos. Pero quizá durante aquellos primeros años de los noventa, Metallica encontró la formula cuasi perfecta, y el nuevo productor, que solia trabajar con otras bandas con sonidos mas “audibles”, Bob Rock supo poner la guinda, las figuritas y el lazo a ese tan jugoso y bien facturado pastel.

Para un servidor fue un impacto, contaba con 14 o 15 años cuando lo escuche, y ese sonido brutal me maravillo. Me preguntaba como se puede sonar dan duro, tan denso y oscuro, pero a la vez que la producción tenga casi brillo, sonido maravilloso, adictivo, los otros discos de Metallica, aun teniendo temas geniales te sonaban extraños. No olvidemos que cuando eres joven eres impresionable y todavía te falta experiencia en estas cosas, y miles de discos por escuchar.

Quien les podría decir cuando comenzaron, que los temas que mas reclamaría la concurrencia de sus conciertos, pertenecerían a su quinto álbum de estudio, y que lo sacarían casi 10 años después de comenzar su ascendente y vertiginosa carrera hacia el podio del rock. Y es que “Enter Sandman”, gran comienzo para un disco, todavía a día de hoy, por mucho que la gente diga, “la misma de siempre, buff”, sigue consiguiendo los mayores coros, vítores y gritos de la velada. ¿Su disco comercial? Complicado pensar eso si escuchas “Sad But True”, brutalmente rítmica, dura, agresiva. “Holier Than Thou”, tercer tema del disco es quizá una de esas que menos recuerde la gente, que menos pida, aunque tiene un rimo rápido y quizá se aparte algo de el aura oscura que tiene el álbum, solo un poco. Porque la oscuridad vuelve con “The Unforgiven”, cuando yo era jovencito recuerdo que la tachaban como una de las “baladas” de Metallica, y aquí de medio tiempo o balada tiene poco. El disco tenia que tener algún tema mas grandilocuente, mas demostrando que no solo son duros, también pueden ser elegantes dentro del contexto del disco, y “Wherever I May Roam” cumple esas expectativas con nota elevada, dando paso al cierre de la cara A, “Don’t Tread On Me”, otra de rítmica y machacona, pero como ya vengo diciendo, sonando perfecta, como todo el disco.

“Through The Never”, abre la cara B y la catalogo como la otra que quizá el público no llegue a pedir, admirar o encumbrar como el resto del disco, y eso que también cuenta con un ritmo mas acelerado que la tónica del disco y un estribillo reconocible. Y damos paso a la que si puede ser la canción mas “comercial” del disco, de la banda casi hasta ese momento, “Nothing Else Matters”, con acústicas, arreglos, lenta y suave, aunque según pasan los años, en directo va ganando mas potencia y ya casi es otro tema heavy de la banda. Llegamos a lo que yo etiqueto la trilogía de temas oscuros, densos, parecen sacados de su pasión por Black Sabbath, Budgie, “Of Wolf And Man” quizá sea la más benevolente de la trilogía, y “The God That Failed”, con su temática religiosa la mas oscura, la mas dura en cuanto a la parte emocional de sonido, de la letra. “My Friend Of Misery” cierra “mi” trilogía con un ritmo lento y opresivo durante mas de 6 minutos de canción, llevándonos al final del poco mas de una hora de Lp, “Struggle Whithin” entra dentro de los temas con mas ritmo del disco, y cierra un álbum prácticamente perfecto que me voló la cabeza y me hizo seguir a Metallica con ciega devoción desde hace mas de 20 años ya. Nunca volvieron a ser los mismos después del “Black Album”, y nunca lo serán.



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ZZ TOP "Texicali" EP (2012)

La música, como todo en la vida, es cuestión de gustos, apreciaciones, puntos de vista, y ZZ Top parece ser una de esas bandas que aun con la etiqueta de clásicos, fieles al estilo, de los honestos, cada vez que hacen un movimiento paren exponerse a ese línea donde posicionarse como seguidor y degustador de sus obras, o desfavorable a sus devaneos musicales.

Después de anunciar su inminente nuevo trabajo de estudio, después de casi 10 años, nos plantan delante de nuestras narices un EP con cuatro temas nuevos, de venta en ITunes, o como se llame eso. Y empezando por esto, yo acérrimo defensor del formato físico, incluso que se siga editando la música en vinilo, ahora, los “viejos” tejanos nos ofrecen su música de manera virtual. Habrá quien aplauda esta iniciativa, un servidor la desaprueba. Pero esto funciona así, y toca adaptarse.

Y así llegamos al otro asunto que puede crear división, el camino que lleva el sonido y estilo de los ZZ. ¿Cómo suenan estos cuatro temas? Obviamente, aun siendo un tema cliché, no, no han vuelto a sus orígenes, no vuelven a esa época dorada pre-samples, los setenta ya pasaron, y los tejanos lo saben, es mas, ni intentan acercarse. Como si se hubieran quedado en aquel escalón a finales de los noventa, a punto de saltar de década, siguiendo un poco la estela de XXX, cuanto menos dos de los temas, “I Gotsta Get Paid” y “Consumption”, con sus riffs densos, la presencia de samples, (que parecen encantarles), y su tempo mas lento espeso, que para que engañarnos, en este apartado soy de los que están en el lado favorable de esa línea citada anteriormente. “Chartreuse” parece el tema mas cercano a su sonido anterior, algo mas rock and roll marca de la casa, pero siguiendo los parámetros de los ZZ en los noventa, y como no, un medio tiempo no podía faltar “Over You And”, donde la ya muy rasgada voz de Gibbons te hace recordar el efecto “Lemmy”, entiéndanme, Billy tiene una voz mas agradable que la de nuestro Lemmy, pero esa aspereza, plagada de bourbon, e incluso algún trago de arena, queda peculiar y extraña en un medio tiempo, pero eso también es marca de la casa!!

En fin, para un servidor, y contando que ya ningún clásico va a sacar un disco que te vuele la cabeza, este EP raya a buen nivel, incluso supera lo que nos ofrecieron en Mescalero, ahora solo nos queda esperar a la salida del nuevo disco, sin fecha aun, aunque si este es el camino y dirección, pinta bien.

HOGJAW “Sons of the Western Skies” (2012)

Esta banda que todavía es totalmente desconocida para la gran mayoría va por su tercer disco, y dejando un gran nivel en todos ya cada uno de ellos. Quizá como pega, podríamos decir que escuchando sus dos primeros lanzamientos y habiendo sido testigo de uno de sus directos, son algo repetitivos en el esquema de los temas, bueno, cañeros, potentes y algún medio tiempo, comenzando a sonar todo un poco igual, que al fin y al cabo es signo de tener sonido propio, marca de la casa, y que marca, suenan como una apisonadora de hard boogie rock, con ese regustillo sureño en algunos momentos. Norteamérica en estado puro y con un potente gancho de derecha.

Pero con este tercer disco, sin marcarse tampoco un lp fuera de su sonido, si que han ampliado algo el abanico de estilos, y han cambiado un pelín no haciendo tan lineal el lp. Con un magnifico resultado, muy recomendable la escucha de este “Sons of the Western Skies” que para un servidor puede ser su mejor disco hasta la fecha. Afianzados en un estilo propio, muy reconocible, y con el todavía amplio margen de mejora se atreven a salirse un poco de su camino y aciertan sobremanera.

“Road of Fools” por ejemplo, buena muestra de ello, mas melódica que sus temas tipo, pero manteniendo esa energía que les caracteriza. “Everyone’s Gome Fishin” con un saxo y un ritmo mas pausado, pero sin llegar a los tan característicos medio tiempos intensos dan un aire diferente y fresco al disco que es de agradecer. “Mainstream Trucker” mas boogie y menos hard y así podríamos seguir analizando un disco en el que han intentado dar mas amplitud a su estilo, y les ha salido bien la apuesta. Eso si, para los que se engancharon a sus trallazos hard rockeros no tienen nada que temer, el disco esta bien cargado de ellos, y si no, pinchar el primer tema “Spoonfed”, arrolador.

Three Seasons "Life's Road" (2011)

No habéis notado que si buscas bandas de los 70’s, aunque no las conozcáis, el 98% de ellas suenan bien, tienen temas para hacer creer que podrían perdurar en el tiempo. Que casi cualquier formación que sacara disco en aquella década tenia algo que contar musicalmente. Imagino que si. Pues así me sentí yo al escuchar por primera vez el disco de Three Seasons. Como si se hubiera rescatado una grabación de un grupo que no pudiera editar en aquella década y se sacara a la luz hoy.

Cierto que en Suecia, de donde son estos chicos, y en los países nórdicos en general se les da bien rescatar corrientes musicales, saliendo un buen numero de bandas que abanderan un estilo pasado ya en Europa dándole una nueva oportunidad para que sean escuchadas por rockeros de tiempos mas contemporáneos. Pero esta formación lo hace de manera sobresaliente, haciendo que este disco sea un trabajo bastante perfecto, de esos que los escuchas una y otra vez y corres el riesgo de quedar atrapado en sus ambientes musicales.

Gran combinación de rock, blues, psicodelia, progresivo, todo ello mezclado como tan bien se solía hacer en los setenta, con grandes desarrollos instrumentales que ayudados con esa producción añeja que le han dado te hace mirar de nuevo a la caratula del disco para asegurarte que esto ha sido facturado en 2011.

Ya nos sorprendieron Graveyard con una propuesta similar, pero quizá mas dura, mas oscura y mas heavy por usar algunas etiquetas, estos lo hacen mas sutil, elegante y les queda genial. Sorpresa para un servidor que es de los que cree que aunque ya es complicado que salgan nuevos grupos que nos ofrezcan master pieces, si se puede tener discos que rayen a un alto nivel.

Megadeth "Th1rt3en" (2011)

Casi se me escapa el año en curso y no me hago cargo de hacer critica del ultimo disco de Megadeth. Y mira que me gusto desde el principio. Que sigo opinando que Mustaine esta en un buen estado de forma, que ha madurado su estilo sin dejar de ser afilado, duro, de tener una importante pegada. Y sigue demostrando que no solo de riffs vive el metal, y sus melodías siguen sabiendo y sonando a el estilo de Mr. Mustaine. Pero no termino de coger el gusto al conjunto del álbum. Comienzo a perder un poco el horizonte en cuanto a trabajos redondos, como me pasaba ya con los discos de Black Label Society. Son discos buenos, suenan genial, la producción es maravillosa. Pero no distingo temas, no me quedo con una parte u otra del álbum. No consigo hacerme una lista de los mejores temas del disco. Vamos, que no encuentro ningún tema destacable. Por lo menos eso me sucede a mi. Seguro que como gustos se tiene para todos, habrá quien piense que cada vez va a mejor. No lo puedo discutir.

Un buen disco que creo que debe agradar a todo amante del genero, con una nota mas que notable,  pero que no creo que conforme podio en casi ninguna lista de Heavy y Rock del 2011. O así lo veo yo.

ZZ TOP A Tribute From Friends (Varios Aritstas)

Y aquí tenemos otro de esos discos de tributo, que tantas horas de debate pueden abrir. ¿Necesarios? ¿Interesantes? ¿Se puede pagar por ello? ¿Mejor de regalo en alguna publicacion? En fin, que no es nada nuevo, una serie de grupos o artistas graban versiones de un grupo a homenajear, algunos llevándolas a su terreno, lo que debería ser, y otros dando una visión muy similar a la original, lo que algunos llamarían símbolo de respeto, pero que nada aporta al producto entonces.

Quizá el mas fiel se Jamey Johnson, que por su estilo, country (no lo conozco, lo he buscado en internet), puede ser de los que mas lógica tenga de estar aquí.  Porque por ejemplo Filter y Wyclef Jean no son ni rock y no se hasta que punto puede sentirse influidos o emparentados con los tejanos.

Puede que las versiones de Wolfmother y quizá Mastodon sean las que mas me llaman la atención, el resto no creo que casi nadie las de mas de una escucha. La verdad que este tipo de discos corren ese riesgo, que alguien, por curiosidad le de una vuelta al contenido, pero que no pase de ahí. En fin, para eso te pones los originales, digo yo.

Como curiosidad tenemos la unión de Steven Tyler, Jonny Lang, Mick Fleetwood y Jon McVie, ya que no son un grupo al uso, pero tampoco se le percibe a la versión nada reseñable sin contar que el reparto de artistas produzcan atención o curiosidad.

Que decir, uno de tantos productos que no se comprende como siguen saliendo al mercado, con lo mal que esta el negocio en cuanto a ventas, que obliga a los grupos a incluir cada vez mas "extras" en sus lanzamientos, (DVD extra, poster, diferentes portadas, etc, etc,.)

Lo dicho, que os dejo con la versión de Lamey Johnson que por lo menos se da un gustazo con las guitarras que no suena nada mal.

JD McPherson "Signs & Signfiers"

Cuando afrontamos la revisión de un disco, para publicar en nuestros blogs, una de las cosas en las que nos fijamos es el sonido, producción y si tiene algo más o menos que aportar al panorama rockero. Bueno, este “Signs & Signifiers” de JD McPherson tiene sonido 50’s, con una producción totalmente añeja, y sinceramente, nada nuevo bajo el sol. Rock clásico de toda la vida, con el espíritu de los cincuenta en cada surco del disco y esa actitud rocker que tanto suele gustar, cuanto menos a un servidor.

No hace tanto que me dejara boquiabierto el salvaje “Reform School Girl” de Nick Curran, y ahora vuelvo a mirar hacia un joven músico, con un sonido menos salvaje de Curran, más clásico y menos electrizante. Pero donde tenemos calidad y buen gusto a raudales, todo ello condensado en 34 minutos más menos. Doce temas de rock, blues, swing, bueno, imagino que con los datos que ya había aportado los estilos de los que bebe este caballero están más que claros.

Junta a guitarra y base rítmica compuesta por contrabajo y batería encontramos un excelente piano, y en ocasiones una atractiva intervención de saxo. Vamos, un discazo de rock and roll en toda regla y muy recomendable. Al fin y al cabo, en poco más de media hora lo tenéis ventilado, pero de seguro que querréis pincharlo más de una vez. Ya os lo digo yo.

Aquí dejo su WEB, ya que ahora comienza una extensa gira por nuestro territorio. Yo no sé si poder pasarme, pero para quien interese, ahí queda el aviso.

Black Country Communion "2" (2011)

Complicado es sacar a día de hoy un disco debut que maraville y pase de boca en boca, hacerlo que la continuación en ocasiones comienza a convertirse en utopía, por mucho que me cueste escribir esto, se está convirtiendo en realidad. Obviamente, si además se trata de un “supergrupo” de estos que surgen de entre músicos consagrados, la observación se hace mayor, y el juicio sobre ellos más estricto y duro. Esto funciona así, que le vamos a hacer.

Y si, el segundo disco de BCC es ¿Inferior?, ¿Peor?, no se dejémoslo en que no llega a la calidad de su álbum debut, y además el efecto sorpresa ya está perdido. Pero decir que este segundo lanzamiento no tiene calidad sería exagerado e injusto totalmente. Es un disco muy bueno, con temas de calidad, interpretaciones sensacionales, mayor presencia del teclista que en el primero queda algo oculto y con lo que parece una intención de crear un sonido marca de la casa y el pensamiento de seguir más en la escena rockera. Ya se sabe que lanzarán en breve un DVD de sus actuaciones recientes.

¿Qué le doy de pega? Como siempre hablamos de originalidad, en este su segundo lanzamiento las similitudes con Zeppelin y el acercamiento a Purple se hacen exageradamente más visibles que en su anterior obra. Cosa que por mi parte estupendo, se puede sonar de muchas maneras, y esta que han elegido, y con lo bien que saben hacerla sonar es excelente. Además, creo que tienen un sonido muy personal y distinguible. Dentro de lo personal que pueda ser este tipo de influencias claro.

Yo por mi parte veo un grupo que si mantiene el nivel todavía nos puede dar grandes discos y maravillosos conciertos. Pero como todo, esto solo es mi visión personal de BCC.

Aquí dejo el primer clip de la banda. Enjoy it!!!!